A continuación compartimos un breve repaso por los libros de Gavin Baddeley en español, así también como algunos que aún no han sido traducidos a nuestra lengua.
El artículo: Gavin Baddeley: libros de la subcultura gótica fue realizado por El Espejo Gótico. Para su reproducción escríbenos a elespejogotico@gmail.com
En la carrera por determinar quién existió primero, el huevo o la gallina, un grupo de expertos del departamento de psicología de la Universidad de Cambridge decidió estudiar la relación entre la música que escuchamos y el funcionamiento y los hábitos singulares de nuestro cerebro.
En otras palabras, el estudio intenta explicar porqué nos gusta un estilo de música en particular. Al parecer, la cuestión se resume, una vez más, a la forma en la que nuestro cerebro se relaciona con los demás.
En este contexto existen dos estructuras de pensamiento fundamentales, más una tercera que resulta del equilibrio entre ambas:
El empatizador(empathizer): alguien que responde fácilmente a las emociones y sentimientos de otros.
El sistematizador(systemizer) alguien que responde fácilmente a las conductas, patrones y esquemas por encima de lo emocional.
La música es una parte importante de nuestra vida. Es fácil para cualquiera saber qué tipo de música le gusta y cuál no; a tal punto que nuestro cerebro requiere uno o dos acordes para decidir si algo le agrada o no.
Menos sencillo es determinar qué factores influyen en nuestro gusto musical.
Hace algunas décadas se creía que las preferencias musicales se relacionaban directamente con características tales como la edad, experiencia y personalidad del individuo. Sin embargo, más de el 90% de nuestras elecciones musicales se efectúan sin que estos factores entren en juego.
Aunque buena parte de nuestros gustos musicales fluctúan a través del tiempo, es posible predecir qué estilo de música nos gusta a partir de estas estructuras reinantes de pensamiento; en otras palabras: nuestro estilo cognitivo.
Este estilo cognitivo no es otra cosa que nuestro cerebro revelando sus apetitos principales: ya sea en individuos con altos registros de empatía —la habilidad de reconocer y reaccionar ante los pensamientos y sentimientos de otros— o de sistematización —interés por los patrones, los sistemas, las reglas—.
Los investigadores estudiaron a más de 4.000 voluntarios quienes debieron puntuar unas 50 piezas musicales de 26 géneros y subgéneros de todo tipo, buscando que no sean influidos por cuestiones culturales o personales a la hora de hacer la elección.
Los sujetos con mayores niveles de empatía elegieron ritmos menos intensos (música latina, baladas, country, folk, pop, blues, reggae); mientras que los sistematizadores seleccionaron mayor intensidad (metal, punk, rock, jazz).
Lo primero que sorprendió a los investigadores es que muchas personas que aseguraban tener preferencia por ciertos estilos, por ejemplo, el black metal, en realidad respondían mejor ante jazz. Al respecto, se profundizó el estudio dentro de cada género en particular, arrojando que los empatizadores prefieren, en líneas generales, un estilo de música menos pretencioso, mientras que los sistematizadores se inclinan por melodías más sofisticadas.
Se estableció entonces que el primer grupo (empatizadores) responden mejor a niveles de vibración más bajos, con acordes cálidos y sensuales; pero también a los ritmos que expresan un variado rango de emociones negativas, con características tristes o directamente depresivas.
El segundo grupo (sistematizadores) necesita mayores niveles de intensidad y tensión en la música.
El tercer grupo (equilibrados) pueden pasearse por una amplia gama de géneros sin sentirse particularmente atraídos por ninguno.
Estos estudios revelan que nuestros gustos musicales son algo así como un espejo de quienes somos emocional, social y cognitivamente; lo cual no significa que al pertenecer a uno de estos grupos seamos excluidos de los gustos musicales del otro.
Por ejemplo, a los empatizadores les gustarán bandas como Queen, Pink Floyd y Deep Purple, pero también muestran afinidad con otros estilos más propios de los sistematizadores, tales como Metallica o Vivaldi.
Todo parece indicar que la música que más nos gusta es aquella que mejor expresa nuestra forma de pensar, o mejor dicho, nuestro modelo de pensamiento.
Al cerebro, hay que decirlo, le importa realmente poco la letra de una canción. La melodía lo es todo.
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Esperanza Spalding homenajea a «La mosca» de William Blake.
La música y la poesía son lenguajes similares: ambos son sonoros, armónicos, y para existir deben integrarse mutuamente. La música sin poesía es un híbrido sin vida, así como la poesía que carece de musicalidad carece también de alma.
No es infrecuente que la música, sin importar a qué género pertenezca, se inspire en los grandes poetas; sin embargo, pocas veces ese homenaje alcanza el mismo grado de emoción y sentimiento que el original, pero cuando sí ocurre se produce algo maravilloso.
Esperanza Spalding es una bajista, contrabajista y cantante de jazz; tal vez la más talentosa de su generación; cuestión que queda evidenciada en esta hermosa versión del poema de William Blake: La mosca (The Fly).
Se trata de un poema sencillo, al menos en apariencia, pero que en su simpleza roza algunas de las grandes abstracciones y misterios del ser.
William Blake nos presenta al narrador durante uno de esos instantes de vacío intelectual, es decir, completamente en blanco, sin pensamientos fijos u ordenados. Ese vacío, ese mirar a la nada —una mosca— rápidamente se desplaza hacia la contemplación.
La mosca y el narrador son presas de las mismas circunstancias incontrolables de la vida. Ambos, la mosca y el hombre, son lo mismo; o mejor dicho, ambos son la mosca y el hombre.
Los dejamos con esta excelente versión de Esperanza Spalding y, después del video, compartimos La mosca de William Blake para los que deseen seguir la letra de la canción a través del poema original.
Esperanza Spalding: «Little Fly»:
«La mosca»: William Blake; poema en español e inglés.
Pequeña mosca,
tus juegos veraniegos
fueron truncados
por mi descuidada mano.
¿No soy yo
una mosca como tú?
¿O no eres tú
un hombre como yo?
Porque bailo
y bebo, y canto
hasta que alguna mano ciega
me arranque el ala.
Si el pensamiento es vida,
fortaleza y aliento;
y la ausencia
de pensamiento es muerte;
entonces yo soy
una mosca feliz,
ya sea vivo, ya sea muerto.
Little Fly
Thy summer's play,
My thoughtless hand
Has brush'd away.
Am not I
A fly like thee?
Or art not thou
A man like me?
For I dance
And drink and sing;
Till some blind hand
Shall brush my wing.
If thought is life
And strength and breath;
And the want
Of thought is death;
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La frecuentación entre los demonios y los artistas no necesariamente incluye la posibilidad de un pacto satánico. De hecho, a lo largo de los años se han forjado verdaderas amistades entre el arte y el infierno; por ejemplo, entre el demonio Zorneo y sus dos grandes discípulos: el marqués de Sade y Casanova, o Asmodeo, que manifestaba una peculiar predilección por Oscar Wilde.
Ahora bien, el motivo folklórico del pacto con el diablo propiamente dicho alcanzó la excelencia con la historia de Fausto y el demonio Mefistófeles. Sin embargo, no todos los hombres que vendieron su alma al diablo lo hicieron para conseguir el amor de una mujer. Algunos, de hecho, se embarcaron en este riesgoso acuerdo contractual para obtener a cambio un talento sobrehumano.
La idea del pacto satánico se basa en la noción de que el fin justifica los medios, es decir, que el éxito personal está por encima de todo lo demás. A lo largo de la historia existen muchos casos de supuestas personas que vendieron el alma al demonio a cambio de ciertas habilidades, y los músicos son, probablemente, los intérpretes del oficio más asociado a esta leyenda.
Por regla general, los músicos acusados de vender su alma al diablo coinciden en tres características: un talento fuera de lo común, un enorme éxito durante un corto período de tiempo, y una muerte prematura.
A continuación repasaremos muy brevemente tres historias de músicos acusados de haber vendido su alma a Lucifer.
Robert Johnson (1911-1938)
Se dice que Robert Johnson se crió trabajando en una plantación de Clarksville, Mississippi, soñando obsesivamente en convertirse en un gran músico de blues. Cierta noche, un forastero que estaba de paso se ofreció a afinarle la guitarra y luego interpretó una o dos melodías que estremecieron al joven Johnson.
El muchacho le rogó que le enseñara a tocar de ese modo. El misterioso hombre aceptó, a cambio de que le entregara su alma. Esta es la razón que muchos cronistas encontraron para el descomunal talento de Robert Johnson y su escasa formación musical.
Antes de morir a los 27 años de edad, Robert Johnson compuso una de sus mejores canciones, y la que probablemente reafirmó aquella oscura leyenda de pactos satánicos: Yo y el blues del diablo (Me and the Devil Blues).
Para muchos, la leyenda de Robert Johnson sería en realidad una copia exacta de otro mito acerca de pactos satánicos relacionados con el blues; en este caso, con Tommy Johnson, quien dicho sea de paso aparece en la película Oh brother, where art thou?
Giuseppe Tartini (1692-1770)
Antes de que Giuseppe Tartini alcanzara la fama debido a su increíble habilidad con el violín, se lo suele retratar como un pobre y mediocre violinista decepcionado con la vida y la música.
Cierta noche, cuenta la leyenda, el diablo se le apareció en sueños. El príncipe de las tinieblas tocó para él una melodía tan compleja y elegante que Tartini despertó, sobresaltado; y acto seguido trató de apuntar las notas que había escuchado en sueños.
Con el tiempo, aquella sonata llegó a ser conocida como El trino del diablo (Il trillo del Diavolo); tal vez la pieza musical para violín más difíciles de interpretar; a tal punto que llegó a decirse que parece compuesta para alguien con seis dedos.
Por cierto, aquel sexto dedo es conocido aún hoy como el dedo del diablo.
Niccolò Paganini (1782-1840)
Probablemente uno de los músicos más virtuosos de su tiempo, y sin dudas uno de los mejores violinistas de la historia, Niccolò Paganini escribió piezas para violín desde la más tierna infancia.
Su padre rápidamente advirtió el talento de su hijo y lo estimuló a que llevara sus creaciones a las iglesias, donde servía espiritual y musicalmente. No obstante, sus rivales no creían que ninguno de sus trabajos fuese realmente suyo, sino más bien el fruto de algún tipo de pacto satánico.
Rápidamente se propapó el rumor de que Niccolò Paganini había vendido su alma al demonio a cambio de convertirse en un gran violinista. Esta leyenda, sin embargo, no lo perturbó demasiado, e incluso hizo mucho para estimularla.
Según el poeta Heinrich Heine, cada vez que Niccolò Paganini tocaba su violín siempre se veía una figura oscura detrás de él.
Más allá de que esto pudo haber sido una puesta en escena, desde luego, patrocinada por el propio Paganini, lo cierto es que, tras su muerte, la iglesia le negó el entierro según el rito católico.
Pasarían cuatro años desde su muerte para que el papa emitiera una orden por la cual su cuerpo podía ser enterrado en suelo sagrado. Desde entonces, en 1876, el cuerpo de Niccolò Paganini descansa en el cementerio de Parma.
Naturalmente, el vínculo entre ambas obras de arte no es caprichoso.
Edvard Munch pintó la quinta versión de El grito en 1893, y añadió unas pocas palabras para subrayar la visión apocalíptica que pretendía retratar:
Recorría el camino con dos amigos. Ocaso. El cielo se tornó rojo como la sangre y senti un estremecimiento de melancolía. Me detuve, exhausto, frente al fiordo negro y las lenguas de fuego. Mis amigos siguieron adelante. Yo me quedé atrás, temblando de ansiedad, cuando sentí el grito infinito atravesando la naturaleza.
Este "grito" del que habla Edvard Munch se combina perfectamente con el tema de Pink Floyd: The Great Gig in the Sky ("el gran concierto en el cielo"), una de las piezas principales de la obra maestra de 1973: El lado oscuro de la luna (Dark Side of the Moon).
La voz de The Great Gig in the Sky tiene mucho que ver con el "grito" de Edvard Munch; o mejor aún, quizás se trate de una de sus mejores traducciones.
La voz original pertenece a la vocalista Clare Torry, invitada por el productor Alan Parsons a sumarse a las grabaciones en Abbey Road Studios para una sesión de improvisación. Los miembros de la banda solo le presentaron una melodía y aclararon que no querían agregarle letra: la idea era cantar la muerte.
Cuarenta y dos años después de la grabación, aquel "grito" de Clare Torry y Pink Floyd se ensambla perfectamente con el "grito" de Edvard Munch, acaso el mismo, que trasciende los estilos y al arte mismo.
El artículo: "El grito" de Edvard Munch, versión de Pink Floyd. fue realizado por El Espejo Gótico. Para su reproducción escríbenos a elespejogotico@gmail.com
Formar un par de cuernos empleando los dedos de la mano es un gesto anterior al advenimiento del metal.
El origen de este gesto, conocido como Mano Cornuta, se remonta a la India; donde era utilizado por Buda para exorcizar a los demonios y remover obstáculos durante la meditación, es decir, anular los pensamientos negativos.
El gesto de los cuernos con la mano se esparció rápidamente por el Mediterráneo, donde se lo empleó para rechazar maldiciones más o menos discretas, como el mal de ojo(Malocchio) o sencillamente la mala suerte.
En cualquier caso, se trataba de un gesto apotropaico, es decir, una especie de mantra gestual como protección contra el mal.
Posteriormente, Anton LaVey, músico, escritor, y fundador de la Iglesia de Satán, definió en cierto modo el nuevo simbolismo de la Mano Cornuta, que luego sería generosamente recibido por el metal.
En este contexto, los cuernos también simbolizan rechazo, pero al cristianismo.
El el dedo índice y el meñique levantados representan los cuernos del macho cabrío, es decir, de Lucifer, mientras que los dedos medio y anular retractados, acompañados por el pulgar, simbolizan al Padre, el Hijo y el Espíritu Santo sujetos a los principio activos de Satanás.
El desembarco definitivo de la Mano Cornuta en el rock y el heavy metal se produjo en los años '80.
Ronnie James Dio, que colaboró con Black Sabbath, sostuvo haber sustraído el gesto de la mano con cuernos de su abuela, una italiana que solía emplearlo para alejar el mal de ojo. Lo utilizó como reemplazo del gesto de la paz que utilizaba su predecesor como vocalista de la banda, Ozzy Osbourne.
Si bien el signo de los cuernos con la mano ya circulaba en los años '60 y '70, especialmente entre los jóvenes, como símbolo de rebeldía contra lo establecido, fue sobre los escenarios de Black Sabbath donde realmente se popularizó, convirtiéndose en un verdadero símbolo universal.
Góticos: crónica de una tribu urbana, es uno de los primeros libros en estudiar el impacto de la cultura y la escena gótica a nivel mundial.
Desde sus orígenes en la escena post-punk británica, la cultura gótica se ha ido esparciendo y adaptando a nuevas tendencias, por ejemplo, el gótico extremadamente visual de Japón, el deathrock norteamericano y la casi desconocida schwarze szene de Alemania. Góticos: crónica de una tribu urbana intenta explicar los orígenes de esas tendencias y cómo llegaron a influir poderosamente en la música y la moda contemporáneas.
A finales de la década de 1970, el gótico se convirtió en la subcultura con mayor influencia en Inglaterra, encabezada por bandas como Siouxsie And The Banshees, Bauhaus, Joy Division y The Sisters Of Mercy, alcanzando una gran popularidad incluso dentro de los estándares de música tradicionales. Cuando la escena gótica tradicional de Inglaterra murió definitivamente en los primeros años de la década de 1990, el gótico se esparció a lo largo y ancho del mundo, atrayendo miles y miles de seguidores de otros géneros musicales.
Góticos: crónica de una tribu urbana se propone investigar lo que parece ser un regreso a las raíces góticas en todas sus ramas contemporáneas.
Góticos: crónica de una tribu urbana. Worldwide Gothic: A Chronicle of a Tribe, Natasha Scharf.
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El análisis y resumen del libro de Natasha Scharf: Góticos: crónica de una tribu urbana (Worldwide Gothic: A Chronicle of a Tribe) fueron realizados por El Espejo Gótico. Para su reproducción escríbenos a elespejogotico@gmail.com
Black Metal: la evolución del culto (Black Metal: Evolution of the Cult) es un libro de historia del metal del investigador Dayal Patterson, publicado en 2013.
Black Metal: la evolución del culto, realiza un exhaustivo estudio acerca de una de las ramas más extremas del metal, apoyándose en entrevistas con sus figuras principales; desde los pioneros del Black Metal de la década de 1980 hasta el resurgimiento del género en bandas escandinavas y su establecimiento definitivo en el siglo XXI.
Black Metal: la evolución del culto, demuestra un gran conocimiento de la escena del Black Metal y su importancia dentro de la música alternativa, lejos de la agenda sensacionalista de los medios y documentalistas que han teñido el Black Metal con toda clase de estereotipos falsos.
Desde luego, realizar una historia seria del Black Metal no es un asunto sencillo, ni puede abordarse desde una perspectiva ajena a la filosofía y estilo de vida de este notable subgénero del metal.
En este contexto, las seiscientas páginas de Black Metal: la evolución del culto, estudian seriamente el progreso de una de las más peligrosas y excitantes posibilidades del metal.
Black Metal: la evolución del culto cubre los casi treinta años del Black Metal, desde sus inicios casi subterráneos hasta el disparatado caos de popularidad que vive por estos días.
Por cierto, los inicios del Black Metal aún continúan siendo tema de debate entre los eruditos en la materia.
En el caso de Black Metal: la evolución del culto, se afirma que el verdadero Black Metal, no sus ya licuados subproductos, se forjó originalmente en escandinavia, más concretamente en Oslo, Dinamarca, durante los primeros años de la década de 1980.
Aquella primera etapa del Black Metal estuvo salpicada de polémicas y escándalos, por ejemplo, asesinatos, quema de iglesias y profanaciones de tumbas por parte de sus primeros y enardecidos seguidores.
Estos primeros escándalos definieron el perfil del Black Metal, en cierta forma, forjado desde una reafirmación y redescubrimiento de lo pagano.
De ahí a la aceptación de cualquier emergente anticristiano, incluso del satanismo, la brujería y la magia negra, había solo un paso.
Con el tiempo el Black Metal fue perdiendo su faceta subterránea, emergiendo en popularidad con bandas del estilo Venom, Bathory, Mercyful Fate y Hellhammer, que de alguna forma renovaron el metal en todos sus aspectos.
Contrariamente a lo que ocurre con muchas biografías del metal, Black Metal: la evolución del culto, realiza un estudio pormenorizado de la escena del Black Metal desde adentro, es decir, desde la perspectiva de quien conoce a la perfección los treinta años del género, su historia, influencia e incluso sus significativas provocaciones.
¿Cómo puede definirse el Black Metal en términos musicales?
Las características principales del Black Metal son sus voces guturales, habitualmente llamado shriek, que en español significa "chillido".
La primera oleada de Black Metal empleó guitarras crudas, armonías infrecuentes y baterías sumamente veloces, herederas del trash y el death; aunque con los años muchas bandas fueron incluyendo técnicas más elaboradas.
A todo esto hay que sumarle una puesta en escena realmente oscura, donde no faltan las teatralizaciones y provocaciones, en particular religiosas y pseudo-religiosas: como el ocultismo y el esoterismo.
El análisis y resumen del libro: Black Metal: la evolución del culto (Black Metal: Evolution of the Cult) fueron realizados por El Espejo Gótico. Para su reproducción escríbenos a elespejogotico@gmail.com
«Gótico: identidad: estilo y subcultura»: libro y análisis.
Gótico: identidad: estilo y subcultura (Goth: Identity, Style and Subculture) es un libro de cultura gótica del investigador Paul Hodkinson —autor de: Culturas juveniles: escenas, subculturas y tribus urbanas (Youth Cultures: Scenes, Subcultures and Tribes)—, publicado en 2002.
Los góticos representan una de las más irreverentes, distintivas y duraderas subculturas urbanas de las últimas décadas. Los miembros que adhieren a la tribu urbana de los góticos coinciden en una serie de hábitos, de estilo, que vistos desde afuera pueden parecer oscuros e incluso siniestros, al punto de generar rechazo pero también admiración.
Gótico: identidad: estilo y subcultura es uno de los primeros y más fascinantes estudios etnográficos de la subcultura gótica. Basado en una extensa investigación de campo, Gótico: identidad: estilo y subcultura revela la mezcla de identidades, prácticas y tendencias de la escena gótica.
Desde la moda a la música, pasando por los hábitos sociales y el uso de internet como forma de comunicación, Gótico: identidad: estilo y subcultura presenta un detallado informe de la subcultura gótica y sus reglas internas.
En cierta forma, Gótico: identidad: estilo y subcultura destruye aquellas teorías que sostienen que el empleo de la tecnología, principalmente de internet y su deseo de una uniforme aldea global, no son en modo alguno el detonante que derribará a las viejas tribus urbanas, sobre las cuales los góticos se alzan como una de las más antiguas.
Todo lo contrario, los góticoshan aprovechado las nuevas tecnologías para retener e incluso aumentar la cifra de sus admiradores, brindándoles un medio para reafirmar sus creencias e identidad y perfilarlas hacia una nueva concepción de grupo.
Gótico: identidad: estilo y subcultura. Goth: Identity, Style and Subculture.
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El análisis y resumen del libro: Gótico: identidad: estilo y subcultura (Goth: Identity, Style and Subculture) fueron realizados por El Espejo Gótico.. Para su reproducción escríbenos a elespejogotico@gmail.com
Biografía oficial de Nightwish: el libro que Tarja Turunen quiso prohibir (Once Upon a Nightwish: The Official Biography) es una libro de biografía del investigador Marko Mape Ollila, publicado en 2013.
Biografía oficial de Nightwish, tal como lo anuncia su título, es la única biografía oficial de la banda Nightwish aprobada por sus miembros, con excepción de su primera vocalista, la cantante Tarja Turunen, quien de hecho inició una demanda judicial a sus ex-compañeros.
Biografía oficial de Nightwish realiza un extenso estudio biográfico de los primeros diez años de esta legendaria banda, más precisamente entre los años 1996 y 2006.
La historia de Nightwish es tan dramática y tormentosa como sus acordes, mezcla de metal sinfónico con otros géneros que se fueron añadiendo con el correr de los años.
La Biografía oficial de Nightwish asegura que el grupo comenzó como un proyecto elaborado en un campamento de estudiantes universitarios en Kitee, Finlandia, durante 1996.
Entre sus miembros originales se encuentra el tecladista y compositor Tuomas Holopainen, el guitarrista Emppu Vuorinen y la mítica cantante Tarja Turunen. Algunos meses después se sumarían el baterista Jukka Nevalainen y el bajista Sami Vänskä; aunque la formación de Nightwish iría cambiando a lo largo de los años.
De aquel proyecto regional, basado en las composiciones de Tuomas Holopainen y su fuerte vínculo con las bandas sonoras del cine, Nightwish saltó a la fama mundial.
Biografía de Nightwish intenta relatar esta historia desde adentro, es decir, desde los propios integrantes de la banda, sus allegados, familiares, amigos, críticos; es decir, desde aquellos que de una forma u otra colaboraron para posicionar a Nightwish entre las mejores bandas de metal sinfónico de todos los tiempos.
Desde luego, ninguna biografía oficial puede prescindir del costado oscuro del objeto biografiado, y Nightwish posee varios, aunque tal vez el momento más crítico de la banda fue el desenlace de las tensiones entre sus músicos y la cantante Tarja Turunen, que finalmente terminaría con su inevitable y definitiva separación.
Este episodio no solo fue crítico para Nightwish como banda, sino que hizo peligrar la publicación de su biografía oficial.
Tarja Turunen y su esposo (y representante) Marcelo Cabuli, demandaron a Nightwish en una suma de 100.000 euros, alegando que difamaba a la vocalista, básicamente describiéndola como una joven y talentosa estudiante que se convierte en una caprichosa diva de la noche a la mañana.
A propósito, la demanda fue desestimada por la justicia.
Lo cierto es que el alejamiento de Tarja Turunen de la banda conforma el capítulo más interesante de Biografía oficial de Nightwish.
La versión oficial del alejamiento de Tarja Turunen de Nightwish sostiene que en 2005, tras una serie de ciento treinta conciertos en vivo, la banda culminó su gira mundial con un último recital en Helsinki, Finlandia.
Este concierto se convertiría en uno de sus DVDs más reconocidos: El final de una era (End of an Era), lanzado el 1 de junio de 2006.
El final de aquella era significaba el final de Tarja Turunen como vocalista de Nightwish, hecho que fue confirmado por el propio Tuomas Holopainen en el sitio oficial de la banda.
La separación de Tarja Turunen y Nightwish no fue un asunto sencillo.
Tuomas Holopainen publicó una carta en la web oficial del grupo en la que acusaba a Tarja Turunen de tener un comportamiento personalista y egocéntrico que no encajaba con la seriedad y el estilo de Nightwish, básicamente señalándola como una diva que exigía más dinero en sus presentaciones en vivo y que rara vez compartía tiempo con los otros miembros de la banda.
Biografía oficial de Nightwish concluye aquí, con el episodio de la separación de Tarja Turunen y la posterior llegada, en 2007, de la vocalista Anette Olzon.
Desde entonces, Nightwish ha cambiado mucho, tanto en su estilo como la voz que interpreta sus canciones. De hecho, Anette Olzon sería reemplazada en otro episodio polémico que parece reafirmar el testimonio de Tarja Turunen acerca de sus excompañeros.
Efectivamente, en 2012 Anette Olzon fue separada de Nightwish.
El alejamiento, según publicó la banda en su sitio oficial, se realizó de mutuo acuerdo, pero lo cierto es que, previamente, Anette Olzon había sido sustituida en medio de la gira Imaginaerum World Tour a causa de una grave enfermedad que le impedía presentarse en vivo, y que de hecho la tuvo internada en un hospital.
El análisis y resumen del libro: Biografía oficial de Nightwish: el libro que Tarja Turunen quiso prohibir (Once Upon a Nightwish: The Official Biography) fueron realizados por El Espejo Gótico. Para su reprodución escríbenos a elespejogotico@gmail.com
«Subcultura gótica: historia de la subcultura gótica»: libro y análisis.
Subcultura gótica: historia de la subcultura gótica (Goth: Undead Subculture) es un libro de cultura gótica publicado en 2007.
Desde su irrupción en la escena del punk-rock británico de los años '70, la subcultura gótica se ha ido ganando un lugar propio dentro de la cultura popular.Subcultura gótica: historia de la subcultura gótica es uno de los más completos ensayos en examinar de cerca este notable fenómeno cultural en constante crecimiento.
Subcultura gótica: historia de la subcultura gótica incluye veintitrés ensayos que estudian las facetas del gótico: música, cine, televisión, moda, literatura y estética.
Por ejemplo, Subcultura gótica: historia de la subcultura gótica se encarga de examinar la moda gótica, las novelas de Anne Rice, Bram Stoker y Poppy Z, Brite, así como otros grandes clásicos del género gótico; mientras que, por otro lado, se profundiza sobre la presencia de los góticos en internet y, sobre todo, en la música.
En este contexto, Subcultura gótica: historia de la subcultura gótica estudia a los precursores del gótico, desde Joy Division y David Bowie a The Cure, Nine Inch Nails y Marilyn Manson.
Ya en el aspecto psicológico, Subcultura gótica: historia de la subcultura gótica estudia las muchas dimensiones que definen a la cultura gótica, desde la melancolía a la androginia, desde la espiritualidad a la perversidad.
Subcultura gótica: historia de la subcultura gótica, escrito en colaboración entre muchos autores y especialistas en la materia, estudia la rica historia del gótico y fundamenta por qué sus raíces se resisten a marchitarse, atravesada como están por diferentes tendencias.
Subcultura gótica: historia de la subcultura gótica. Goth: Undead Subculture.
El análisis y resumen del libro: Subcultura gótica: historia de la subcultura gótica (Goth: Undead Subculture) fueron realizados por El Espejo Gótico. Para su reproducción escríbenos a elespejogotico@gmail.com
«Enciclopedia gótica»: Liisa Ladouceur; libro y anáisis.
Enciclopedia gótica (Encyclopedia Gothica) es un libro de cultura gótica de la investigadora y poetisa Liisa Ladouceur —autora de: Noche blanca: poemas para la trasnoche (Nuit Blanche: Poems for Late Nights), Sobre ascuas (On Tenterhooks) y Cómo matar a un vampiro (How to Kill a Vampire)—, publicado en 2011.
Enciclopedia gótica es una completa guía de la cultura gótica. Agrupa más de 600 palabras, términos y frases que definen a la comunidad gótica mundial, pasando por su música, estilo, moda y características.
Tal como lo anuncia su título, Enciclopedia gótica puede leerse como una especie de manual sobre la cultura gótica, principalmente dedicado a su vocabulario y su música.
En este contexto, Enciclopedia gótica realiza un árbol genealógico de la música gótica, desde sus raíces en el punk y el industrial hasta sus ramas menores en el darkwave, por ejemplo, incluyendo bandas como: D.A.F, Front 242, Leather Strip, Nitzer Ebb, The Damned, Siouxsie and The Banshees, The Gun Glub, Nina Hagen Band, Clan of Xymox, Covenant, The Cruxshadows, The Birthday Massacre, The Cure, Joy Division y The March Violets.
En cierta forma, Enciclopedia gótica no solo está escrito para las nuevas generaciones de góticos, sino también para los góticos de la vieja escuela, explorando la escena del siglo XXI.
El análisis y resumen del libro de Liisa Ladouceur: Enciclopedia gótica (Encyclopedia Gothica) fueron realizados por El Espejo Gótico. Para su reproducción escríbenos a elespejogotico@gmail.com
Influencia de Edgar Allan Poe en la música clásica.
La influencia de Edgar Allan Poe en la música y el teatro es casi tan fuerte como su peso determinante en la literatura, y sobre todo en el relato fantástico.
Para finalizar este breve repaso por la influencia de Edgar Allan Poe en la música clásica los invitamos a disfrutar la versión libre de Nikita Koshkin sobre La caída de la casa Usher titulada El valz de Usher (Usher Waltz).
El artículo: Influencia de Edgar Allan Poe en la música clásica fue realizado por El Espejo Gótico. Para su reproducción escríbenos a elespejogotico@gmail.com
Allí se nos relata la historia de un anciano mudo llamado Erich Zann, que durante el día reparte su tiempo en ocupaciones razonables, principalmente tocando el violín en una orquesta local, pero que durante las noches efectúa un concierto tan formidable como asombroso.
Al parecer, Erich Zann conoce algunas melodías secretas, arcanas, inquietantes, que ningún mortal ha oído sin perderse en los abismos de la locura.
Cuando cae el crepúsculo, y la noche se dispone a cubrirlo todo con su manto de negrura, Erich Zann interpreta su música cósmica para mantener a raya a las criaturas inmemoriales que intentan ingresar en nuestro plano desde dimensiones desconocidas.
H.P. Lovecraft publicó La música de Erich Zann en 1922 en la revista National Amateur. Decíamos que sin dudas es uno de sus mejores cuentos de terror, sobre todo porque evita las adjetivaciones excesivas y, en cierta forma, permite que la narrativa se desarrolle como una lenta y ominosa melodía, llena de simetrías con los acordes inauditos del viejo Erich Zann.
Desde luego, el relato solo describe la música de Erich Zann. No obstante, en 2009 el violinista Alexey Voytenko compuso una extraña pieza en honor a La música de Erich Zann, en parte homenajeando al viejo músico que noche a noche entabla una batalla formidable contra las fuerzas cósmicas y hostiles que urden terribles planes contra la humanidad.
La música de Erich Zann.
Compositor: Alexey Voytenko. Interpretación: Orest Smovzh.
El artículo: La verdadera música de Erich Zann (solo de violín dedicado a H.P. Lovecraft) fue realizado por El Espejo Gótico. Para su reproducción escríbenos a elespejogotico@gmail.com
